William Eggleston

June 8, 2020 Zoé Schreiber

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En bord de fenêtre, posés sur une nappe à damier, une bougie vénitienne d’un rouge flamboyant et des condiments... Si le cadrage surprend, l’image rappelle le monde d’avant. Après une période mortifère de près de trois mois, la réouverture des bars et restaurants sonne le retour à une certaine normalité, le retour aux petits plaisirs qui font le sel de la vie.

William Eggleston

Photographe iconique des années 70, William Eggleston (1939-) est l’un des pionniers de la photographie couleur américaine. Originaire du Sud des Etats-Unis, il documente le monde qui lui est familier et la banalité du quotidien le fascine : les stations-services, les parkings de supermarchés, les voitures, une ampoule suspendue au plafond. Les angles inattendus de ses prises de vue nous invitent à mieux faire attention aux détails qui figurent sur l’image. Sa palette de couleurs est très saturée et des aplats de rouge, de jaune, de rose et de vert se côtoient. Les lieux sont souvent déserts, les pièces souvent vides mais, comme il le souligne, “les objets dans les photos sont naturellement pleins de la présence de l'homme".

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Mark Bradford

June 6, 2020 Zoé Schreiber

La vue aérienne d’un quartier plongé dans le noir... le noir de la terre brûlée, le noir du vide, le noir du silence et du déni... Le tableau ravive le souvenir d'un passé qui ne passe pas: les violentes émeutes raciales qui ont rayé de la carte en 1921 le "Black Wall Street" de Tulsa en Oklahoma.

Mark Bradford, Promise Land, 2012

Mark Bradford, Across 110th Street, 2008

Mark Bradford, Yellow Bird, 2012

Mark Bradofrd, I heard you got arrested today, 2018

Mark Bradford (1961-) est le premier artiste afro-américain à représenter les États-Unis à la Biennale de Venise en 2017. Artiste plasticien engagé, il défend les laissés pour compte et dénonce dans sa pratique la xénophobie et l’homophobie larvées de la société américaine. Il cartographie et dissèque dans ses peintures abstraites et expressionnistes les paysages urbains des mégalopoles américaines en général et de Los Angeles, sa ville natale, en particulier. Ses installations et ses toiles monumentales s’articulent souvent autour d’un événement historique qu’il convoque pour le réinterpréter ensuite par le biais de collages et de superpositions de matériaux trouvés (lambeaux d’affiches publicitaires, cheveux, cordes, fils de fer, grillages, papiers...) qu’il assemble pour dessiner ses territoires imaginaires. Un travail de mémoire comme un pas vers l'apaisement.

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*May 4, 2020 / Zoé Schreiber*

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*April 28, 2020 . Zoé Schreiber*

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*April 10, 2020 / Zoé Schreiber*

Wilmer Wilson IV.jpg — Wilmer Wilson IV

*September 18, 2017 / Zoé Schreiber*

Andy Warhol

June 4, 2020 Zoé Schreiber

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Andy Warhol, Race Riot, acrylic and silkscreen ink on linen, in four parts, 152,4 x 167,6cm, 1964. Courtesy Gagosian Gallery

Quatre fois la même image sur la palette de couleurs du drapeau américain. Quatre panneaux juxtaposés côte à côte pour ne former qu’un seul tableau. La sérigraphie montre un homme noir attaqué par un chien hargneux tenu en laisse par un policier blanc. Un homme noir et un policier blanc... A l’heure où le président américain menace de lâcher des chiens sur les manifestants, un triste constat s’impose: plus cela change, plus c’est la même chose...

Andy Warhol, Four Electric Chairs, 1964

Andy Warhol, Mustard Race Riot, 1963

Andy Warhol, Green Disaster (Green Disaster Twice), 1963

Artiste emblématique s’il en est et figure de proue du Pop Art, Andy Warhol (1928-1987) met en lumière, dans sa série Death and Disaster, les travers de l’Amérique. Il se penche sur la violence et la brutalité de la société américaine (émeutes raciales, meurtres, accidents de voiture, chaises électriques...) et, comme pour marteler son message, sérigraphie à répétition des photos de presse. Les filtres colorés accentuent ou atténuent le caractère funeste des images. Pour le citer, “on dit que le temps change les choses, mais en fait le temps ne fait que passer et nous devons changer les choses nous-mêmes.”

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Ellsworth Kelly

June 3, 2020 Zoé Schreiber

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Ellsworth Kelly, Curved Red on Blue, oil on canvas, 105 1/4 x 84 3/8in, 1963

La courbe tracée en rouge sur le fond bleu du tableau rappelle celle d’un point d’interrogation. Serait-elle le présage d’un retour, quand bien même timide, à notre “vie d’avant”?

Ellsworth Kelly, Blue and Yellow and Red-Orange, 1965

Ellsworth Kelly, High Yellow, 1960

Ellsworth Kelly, Study for Rebound, 1955

Ellsworth Kelly, Lemon, 1964-65

Peintre américain majeur, Ellsworth Kelly (1923-2015) fait vibrer les couleurs dans ses abstractions géométriques épurées et rigoureuses. Rien n’est aussi simple qu’il n’y paraît de prime abord dans ses “shaped canvas”, dans ses panneaux monochromes, ses collages et ses dessins. Fasciné par les différentes étapes qui mènent à la perception, il nous livre des expériences sensorielles. Ses compositions s’inspirent de l’observation du réel. L’artiste isole des fragments et des détails (l’ombre d’une fenêtre, le porche d’une église, le bord d’un trottoir…) et les transpose sur ses toiles. Il accentue les contours, synthétise les volumes et purifie les formes. Équilibre et harmonie caractérisent les multiples configurations de carrés, d’ellipses, de diagonales et de cercles qu’il offre à notre regard. Comme il l’explique: “Je crois que si l’on cesse de penser et qu’on regarde simplement les choses avec ses yeux, au bout du compte tout devient abstrait.”

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